El viento, la luz y la noche

FALP
Fundación Arturo López Pérez
Galería Artespacio
Santiago, Chile
Arquitecto Jefe Agustín Infante
Arquitecto Rosario Rodriguez
2018

El proyecto que presento, intenta de alguna manera vincularse a esa forma de pensar y hacer las cosas , no necesariamente en su primera imagen, si no en el como esta construido y la función que cumple su sistema constructivo en su manera de funcionamiento. En mi trabajo intento construir obras, ideas que sean capaces de modificarse a si mismos o incluso modificar la experiencia de quien observa en un espacio en particular. Esta obra se relaciona con tres fenómenos; el viento, la luz y la noche. Se mueve, refleja y nocturnamente se activa mediante la proyección de dos focos concéntricos que cambian y transforman la obra.

Esta obra es la unión y combinación de puntos, que se contraen y expanden. Que brillan y proyectan sus sombras. Es la abstracción de cómo nos comportamos y como la naturaleza nos marca nuestros patrones, ciudades, ovejas y colmenas. Arboles y multitudes, cardúmenes y tornados. Nos movemos y regimos por lo que somos. Miramos con el microscopio y parecen estructuras como si miráramos por un telescopio, el micro en el macro, un grupo de células y un bosque, venas y ríos, rocas y uñas hasta la oscuridad y las lejanías.

Pensar en abstracto, MACBA

MACBA
11 de marzo a 15 de octubre de 2018
Buenos Aires
Curador: Rodrigo Alonso
Artistas: Arturo Aguiar, Manuel Álvarez, Sergio Avello, Ary Brizzi, Mariano dal Verme, Germaine Derbeq, Marcolina Dipierro, Graciela Hasper, Daniel Joglar, Julia Masvernat, Juan Melé, Marta Minujín, Diego Mur, Juane Odriozola, Benjamin Ossa, César Paternosto, Karina Peisajovich, Martín Pelenur, Amalia Pica, Gilda Picabea, Rogelio Polesello, Alejandro Puente, Inés Raiteri, Andrés Sobrino, Mariano Vilela, Luis Wells, Christian Wloch y Carola Zech 

La abstracción geométrica es mucho más que el resultado del escrutinio de las posibilidades formales de la geometría. En la práctica de los artistas modernos y contemporáneos, se constituye como un campo de pensamiento a través del cual se desarrollan numerosas investigaciones plásticas y conceptuales. La configuración del espacio, los sistemas compositivos, el dinamismo óptico, los efectos combinatorios, las modulaciones cromáticas, la construcción y deconstrucción de visualidades y formas, las reflexiones materiales y contextuales, son algunos de los intereses que han orientado esas búsquedas. Unas exploraciones que no se encuentran clausuradas aun, y que contribuyen a la vitalidad que manifiesta la abstracción todavía hoy. 

Esta exposición pone en evidencia el valor de la geometría como herramienta de investigación a través de una selección de obras pertenecientes a la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires - Fundación Aldo Rubino. Pinturas, fotografías, instalaciones, obras cinéticas y lumínicas, esculturas, videos e intervenciones site-specific dan cuenta de la pluralidad de estos trabajos y de su potencialidad para encauzar los senderos analíticos más diversos. 

Un museo es siempre una entidad fragmentaria: no sólo porque no puede albergar la totalidad de una producción sino, además, porque ésta se halla en desarrollo permanente. Partiendo de esta idea, las obras de la colección del MACBA se han puesto en diálogo con otras que no pertenecen a ella. Esta decisión relativiza el discurso totalizador habitual del museo, pero al mismo tiempo, pone en valor su patrimonio, al señalar su capacidad para interactuar significativamente con el arte que sigue gestándose más allá de sus puertas.

Autopartes

AUTOPARTES / MARZO 1-31 / ARROYO 858

Autopartes se trata de la primera exposición individual de Sofía Berakha en la galería Aldo de Sousa. La obra de Berakha es un diálogo con la tradición de la pintura y sus posibilidades más expansivas.

La exhibición está compuesta por una serie de obras en gran tamaño ejecutadas sobre tablas de madera de formato irregular inspiradas en aquellas superficies en la que aparecieron los diez mandamientos o la piedra Rosetta, entidades en las que se inscribe un saber.

En esta serie podemos reconocer elementos inverosímiles como plotters para autos, parches de tela que van desde el schantung de seda, toalla hasta cuero, zonas esgrafiadas que levantan el material y construyen una imagen como la cuadrícula de las banderas de carreras automovilísticas.

Todos estos objetos están acompañados por una pintura espesa que toma forma de un chorreado detenido. Se trata de una mezcla alquímica elaborada por nuestra artista que contiene aserrín, membrana plástica para techos, cola, arena entre otros materiales propios de la construcción.

Entre los tabloides algunos están apoyados sobre latas, otros se encuentran suspendido en la pared, todos fueron gestados con una intención escultórica. Es que las piezas que forman Autopartes gozan del auto-disimulo, se hacen pasar por objetos o existen bajo el velo de espejos y plásticos esmerilados.

En cada una de estas pinturas se pueden encontrar muchas pinturas. Piezas que estan formadas por piezas como los sillones “Chicklet” diseñados por Herman Miller en 1976 formados por 4 elementos idénticos que se combinan. Para Sofía Berakha hacer pintura es un pacto, un pintor siempre va a pensar como pintor, aunque escriba un poema, elija su ropa, recorra un camino.

Jorge Pereira, Indexical Photography between Chance and Project

Sicardi | Ayers | Bacino gallery
Febrero - Abril de 2018
Houston, Texas - USA

Many projects from early modernity in Latin America were fortified by the vast regional origi- nality that existed during the recovery years fol- lowing World War II. Argentina in the mid-1950s grew thanks to the political and economic theory known as developmentalism that went together with a renewed democracy. The field of art embraced an accelerated modernism and a wide-ranging debate was opened to address social life, based on the creation of academic disciplines such as sociology, urbanism and design theory.
Jorge Pereira initiated his active career within this dynamic context. La Plata is the capital of the Buenos Aires province, just forty-four miles from the federal capital. Here, in the latter half of the twentieth century, a group of academ- ics (architects, designers and artists) would continue the line first traced by Baujaus: the ethic of an art education as part of the develop- ment of a fairer society. In 1961, they formed Integral Vision (IN VI) which proposed to move their experimental artworks into the public urban space. The group, of which Pereira was a founding member, combined the concepts of Russian constructivism, Neo-plasticism, Bauhaus design, Joaquín Torres García’s experi- ments in Buenos Aires in the 1920s and 1930s, and Concrete Art in the mid-1940s.
This notion of integrating design into every- day life to improve it and lend it new meaning relied on photography as a resource, from an experimental perspective with non-traditional media, particularly non-representative pho- tography generated without the use of a cam- era. Developed by Man Ray and Herbert Bayer, among others, it was within this practice that Pereira began using a technique that placed him at the center of the poetry that occurs between the indication of an object, the randomness of light, and the conscious quest for an image. He began producing photograms in 1962, at a time when there was still debate in Argentina as to whether photography should be considered a mere technique, or an art form.
Photography’s prestige lay in the documenta- tion or exact record of a sensitive eye by way of a mechanical instrument—the camera. Thus, abstraction was still outside of the languages that photography could exploit.
Photograms are images created by printing ob- jects on vinyl negatives or photographic paper, simply by exposing them to light. These prints emphasize light, materializing it, and indicate the presence of objects.
Pereira points out that his use of this practice wherein he places the objects, moves them, overlays them, arose from his interest in repre- senting chaos. The incidental forms are created by the light’s impact on photosensitive surfaces and the technique readily lends itself to the imaginative process of collage. The artist would arrange small objects and even insects, playing with the transparency of their wings, then draw- ing with India ink on the acetate film, regulating exposure times, mixing media, and finally devel- oping these enigmatic and evocative images.
“In these photomontages, the artist’s subjec- tive transformations present the unity of syn- thesis and meaning that arise in a constantly transforming reality. A dialectic of vision and thought in the presentative act of the image. Thus, the photographic problematic becomes a conscious, creative act, rather than a chance, mechanical fact. It is in the investigation of new forms and in the search for non-conventional spaces and lights where experimental pho- tography develops new realities. New realities that should be incorporated into current human existence.”
Thus, Pereira conceptualized the very language of photography which, far from simply reflecting reality, is a reality in and of itself. Just as lan- guage sciences have theorized in contemporary times, photography implies a complex chain of significations mounted on a system of signs and indices that do not depend exclusively on the camera. For artists such as Jorge Pereira, the scope of photography should be explored in benefit of a society prospectively incorporated into art.

María José Herrera